Catégorie : Écrit pour vous

Abraham Bosse, Traité des manières de graver en taille-douce, 1645

Taille-douce versus taille forte, la douceur nous trouble

Le vocabulaire de l’estampe est particulièrement compliqué en France, ou plus exactement en français. Par exemple, notre langue est la seule où l’on rencontre les expressions de taille-douce, de taille d’épargne, d’eau-forte, de manière noire. Les autres langues ont des équivalents, certes, mais pas aussi poétiques, toujours purement techniques : intaglio en italien pour la gravure en creux en général ; engraving en anglais, Kupferstich en allemand, pour la gravure au burin ; etching pour l’eau-forte en anglais, Radierung en allemand ; woodcut et Holzschnitt pour la gravure en bois de fil, mezzotint et Schabkunst pour la gravure en manière noire, etc. L’ignorance de l’histoire des mots, hélas très répandue dans notre beau pays, n’arrange rien.

Le beau numéro (hors-série n° 31, septembre 2021) de la revue Artension, entièrement consacré à l’estampe (« L’estampe aujourd’hui, de la gravure antique à l’impression numérique ») vient d’ajouter un petit problème à ceux que nous connaissons déjà. Passim dans les légendes de certaines illustrations, puis à sa place alphabétique dans le « Petit précis de gravure » et probablement sorti plus ou moins directement de l’imagination de l’auteur dudit « précis », apparaît le terme de « taille forte » pour désigner ce que nous avons toujours appelé depuis le XVe siècle au moins « taille d’épargne », autrement dit la gravure en relief, dans le bois et maintenant aussi dans le linoléum et divers produits plastiques, où, creusant autour dans la matière, l’on épargne le trait du dessin afin de pouvoir l’imprimer typographiquement.

On voit bien d’où vient l’erreur : l’opposition qui paraîtrait nécessaire entre l’épithète « douce » et ce que l’on considère comme son contraire. J’ai souvent entendu dire, et même lu (horresco referens), que si le burin était de la taille-douce, l’eau-forte s’y opposait naturellement. Ce ne peut être que propos d’ignorants, qui n’ont jamais vu un acide attaquer un cuivre ou un zinc bien plus brutalement que le burin ne saurait le faire, et qui ne comprennent pas qu’il faut pour graver au burin bien plus d’adresse que de force, et surtout un outil bien affûté.

Abraham Bosse, « La gravure au burin »,
dans Traité des manières de graver en taille-douce, eau-forte

Antoine Furetière, dans son Dictionnaire universel (1690), n’est pas très explicite ; il écrit simplement, au mot « taille » : « Se dit aussi de certaines manières de gravures et de sculptures. On appelle taille douce [sic sans trait d’union] les images dont la gravure est faite avec le burin sur des planches de cuivre ». On notera que dès ce moment, il est manifeste que les artistes français ont le talent extraordinaire de graver « sur » et non pas « dans », comme si creuser en surface faisait partie de notre génie national. Furetière ajoute qu’on appelle « tailles de bois (les images) dont les planches sont de bois, et dont la gravure diffère des autres en ce que dans celles de cuivre ce sont les parties enfoncées qui marquent les traits, et au contraire, ce sont les parties élevées qui les marquent en celles de bois ». On voit que la douceur de la taille n’évoque rien pour le lexicographe.

De même à l’article « doux », mot qui, selon lui, « se dit encore de plusieurs autres choses, comme des métaux. Le fer doux, qui est différent de l’aigre, en ce qu’il est moins cassant. On le dit de même du cuivre et de l’étain. Ce qui rend les métaux plus doux, c’est quand ils ont passé plusieurs fois par le feu ou par la forge ». Furetière est tout prêt de la vérité qui nous intéresse, mais il ne fait pas le lien nécessaire.

Quant au Dictionnaire historique de la langue française d’Alain Rey (1992), il patauge, déclarant que le mot est « peut-être emprunté à l’italien, cette technique ayant été mise au point à Florence au XVe s. » et qu’il « désigne un procédé de gravure sur support métallique moins dur que l’acier (cuivre, puis zinc) ». Là, il se rapproche un peu de ce que je crois être la vérité.

J’ai proposé une solution dans ma préface à un remarquable travail d’Henriette Pommier, Au Maillet d’argent. Jacques Fornazeris graveur et éditeur d’estampes, Turin-Lyon, vers 1585-1619 ? (Genève, Droz, 2011). Sous le n° 45/2 du catalogue de l’œuvre gravé (au burin) de Fornazeris, qui montre le futur Louis XIII enfant en train de recevoir de son père Henri IV quelque éducation, se trouvent huit vers du père Louis Richeome, auteur du Catéchisme royal (1607) où figure cette estampe. Les deux premiers vers sont : « C’est Henry très chrétien, très vaillant, très bénin / Que tu vois figuré sur cette lame douce… ». Lame douce est évidemment synonyme de taille-douce.

En effet, le mot de lame signifie « plaque de métal laminée », du latin et de l’italien « lamina ». Elle est douce car elle est constituée d’un métal « doux », c’est-à-dire traité pour être malléable, flexible et non cassant, à l’inverse du métal « aigre ». Et comme les graveurs font des tailles dans ces lames douces, le syntagme « taille-douce » s’est formé naturellement. L’appellation de « taille forte » est donc un pur fantasme à éliminer des catalogues sérieux.

Maxime Préaud

Thomery en Val de Loing

Poursuivant notre voyage en Val de Loing, un lieu privé nous convie à faire étape : le château de By, qui trouverait son origine au XV^e siècle, d’abord en tant que rendez-vous de chasse puis résidence d’un Officier de la Cour de Fontainebleau. Les bâtiments actuels datent en fait principalement du début du XVII^e siècle… Situé sur la commune de Thomery, ce qui est devenu aujourd’hui un lieu muséal fut, pendant quarante ans, à partir de 1859, la demeure et atelier de Marie Rosalie Bonheur, alias Rosa Bonheur, artiste peintre et sculptrice animalière.

Le château de By à Thomery
(Cl. Archives départementales de Seine & Marne)

Rosa Bonheur est une artiste hors des normes, qui mérite d’être évoquée, non seulement parce qu’elle fut une figure artistique marquante du Val de Loing, mais aussi du fait de sa renommée qui devait s’étendre bien au-delà de nos frontières. Elle est fille d’un peintre et professeur de dessin, Raymond Bonheur, qui avait découvert et adhéré à la doctrine du Saint-Simonisme, prônant l’émancipation de la classe ouvrière, mais aussi des femmes : des pensées qui, au XIX^e siècle, étaient novatrices mais généralement peu comprises, voire rejetées par l’aristocratie et la gent masculine.
La petite Rosalie se montrant douée pour le dessin, son père l’avait alors poussée à développer ses capacités artistiques et à s’épanouir dans sa passion naissante. Cependant, délaissant bientôt les siens par son adhésion à ce mouvement idéologique, il laissa paradoxalement sa famille dans une situation d’abandon, jusqu’à sombrer dans la misère et Sophie, sa femme, en mourut. Un vécu qui devait marquer profondément Marie Rosalie, qui en éprouva sans doute une certaine distanciation vis à vis des hommes, préférant le célibat et la compagnie des femmes. Mais sa grande motivation fut sa liberté d’être et pour cela, son indépendance financière. Aussi travailla-t-elle son art avec opiniâtreté, s’y consacrant de toute son âme, et participant à de grandes expositions.

Rosa Bonheur
Manière noire (1896) de Joseph Bishop Pratt,
d’après Consuelo Fould
© The Trustees of the British Museum

Elle fut une personnalité locale hors norme, à plus d’un titre, gagnant une notoriété internationale. Marie Borin, en avant-propos d’une biographie sur l’artiste Rosa Bonheur, écrit : « Rosa Bonheur, peintre du XIXe siècle (1822-1899), a fait briller la France dans le ciel d’Angleterre et des États-Unis pendant plus d’un demi siècle. Elle a contribué à donner aux femmes une autre idée d’elles-mêmes que celle imposée par l’obscurantisme misogyne ». Il lui fallut se distinguer dans cet univers essentiellement masculin qui baignait la société. Le goût pour la nature et la représentation animale était alors dans l’air du temps. On en trouve des exemples dans l’école de Barbizon, mais d’autres artistes d’essence naturaliste comme par exemple le peintre Constant Troyon (1810-1865), s’y adonnent.

Rosa Bonheur partageait ce sentiment. Ce qui lui fit quitter son atelier parisien du 32 de la rue d’Assas pour gagner le château de By qu’elle acheta grâce à la vente de ses œuvres. Faisant appel à un architecte, Jules Saulnier, elle y fit construire un grand atelier de style néogothique. Un lieu idéal pour s’adonner pleinement à son art, tout en cultivant une personnalité atypique pour son époque. Indépendante d’esprit, elle s’habillait en homme, ce qui était alors interdit aux femmes, sauf par autorisation spéciale obtenue auprès de la Préfecture de police (loi du 16 Brumaire l’an IX ou 7 novembre 1800) “au vu du certificat d’un officier de santé”. Elle portait les cheveux courts et fumait des havanes. Elle aima des femmes : ainsi les artistes peintres Nathalie Micas (1824-1889) et Anna Elizabeth Klumpke (1856-1942), qui partagèrent successivement sa vie,… et sans doute une liaison avec la cantatrice Marie Caroline Miolan-Carvalho, qui fut en mars 1859 la première Marguerite dans Faust de Gounod, sur la scène parisienne du Théâtre Lyrique, et qu’elle aurait fréquentée entre 1866 et 1872. Cela dit, tout au long de sa vie, elle contribua à affirmer le rôle de la femme dans le milieu artistique.

Attirée par les grandes compositions, Rosa Bonheur ne toucha pas à l’estampe. D’autres s’en chargèrent pour elle, participant à la reproduction et la diffusion de ses œuvres, lithographie ou gravure. Son grand succès est dû à “The Horse Fair”, le “Marché aux chevaux”, qui fut exposé grâce à Ernest Gambart, marchand d’art et alors agent de l’artiste, en mai 1855 à Londres, lors de la seconde Exposition annuelle de l’École française des Beaux-Arts. Ce qui fera écrire à William Rossetti, dans “Art News from England”, que Rosa est : « Une femme merveilleuse, une femme sans précédent en Art pour sa force et ses capacités dans tous les domaines. »

“The Horse Fair” Rosa Bonheur
Étude préliminaire et huile sur toile © The Met
Gravure de William Henry Simmons © British Museum

Cette peinture montre un marché aux chevaux qui s’est tenu à Paris sur le boulevard de l’Hôpital, près de l’asile de la Salpêtrière, dont on devine dans le fond à gauche le dôme de la chapelle Saint-Louis. L’étude préliminaire (craie noire, lavis de gris, rehauts de blanc sur papier beige), qui mesure 13,7 x 33,7 cm, donnera une huile sur toile (1852-1855) de 244,5 x 506,7 cm. Quant à l’estampe, réalisée en 1871 par William Henry Simmons (1811-1882), elle serait une gravure mixe, eau-forte et manière noire, de 31,2 x 49,4 cm.

Si Rosa Bonheur ne fut pas graveuse, la lithographie et la gravure participèrent à la diffusion de ses huiles, qui furent nombreuses, et justement récompensées. Déjà, à l’Exposition universelle de Paris, la “Fenaison en Auvergne” avait reçu une médaille d’or. Aux salons de 1848 et 1855, elle fut la première artiste féminine à recevoir la croix de la Légion d’honneur au titre des Beaux-arts, de la main même de l’impératrice Eugénie, qui se rendit tout spécialement à By, le 10 juin 1865, pour lui remettre sa distinction de Chevalière. Elle fut promue officière de cet ordre en avril 1894 et fut la première femme à recevoir la “rosette”, le 12 mai, de la part du président de la République Sadi Carnot. Et Marie Borin d’ajouter dans sa bibliographie : « La visite du président de la République, comme celle trente ans auparavant de l’impératrice de France dans l’atelier d’une peintre, et la Légion d’honneur, marquent la reconnaissance officielle du pouvoir politique d’un lieu féminin de création, légitimant aux yeux de tous la liberté artistique des femmes. »
L’ultime récompense que reçut Rosa Bonheur fut, clôturant une liste impressionnante distinctions artistiques, celle posthume de Médaille d’honneur du salon de la Société des Artistes Français, le 29 mai 1899.
Un monument portant le grand bronze d’un taureau réalisé d’après une de ses statuettes animalières, lui fut dédié, offert par Ernest Gambart à la ville de Fontainebleau et érigé en 1901 sur la place Denecourt (devenue aujourd’hui place Napoléon Bonaparte). Mais, durant l’Occupation, suite à la loi du 11 octobre 1941 promulguée par le régime de Vichy, il sera, comme nombre de statues en France, démonté pour être fondu au bénéfice de l’Allemagne.

Pour l’anecdote, signalons que Rosa Bonheur reçu dans son atelier, le 25 septembre 1889, un certain colonel Cody, plus connu sous le nom de Buffalo Bill, qu’elle avait rencontré lors de l’exposition universelle de Paris où il présentait son spectacle du Far West. Une association, créée en 2005 par Éliane Foulquié : « Les amis de Rosa Bonheur”, s’attache à promouvoir l’œuvre de l’artiste et à faire connaître sa vie et les lieux où elle a vécu. Quant au château de By (12, rue Rosa Bonheur – 77810 By-Thomery), ex-propriété des descendants de la famille d’Anna Klumpke, il est rouvert au public, après les travaux de rénovation entrepris par sa nouvelle propriétaire, Katherine Brault.
Un lieu de mémoire (www.chateau-rosa-bonheur.fr), presque inchangé depuis le décès de Rosa Bonheur, à découvrir absolument ! Et pour qui en souhaiterait en apprendre plus, une biographie est à conseiller, celle de Marie Borin, intitulée : “Rosa Bonheur, une artiste à l’aube du féminisme” (Pygmalion, 2011).

(à suivre)

Gérard Robin

Dans la suite des tristesses automnales, nous devons compter le décès d’André Béguin, survenu le 24 septembre à Paris. Il était âgé de 94 ans, étant né à Blois le 28 avril 1927. Une cérémonie religieuse a réuni vendredi 1er octobre à Saint-Pierre-de-Montrouge son épouse Odile, sa famille relativement nombreuse, et des amis dont quelques-uns du monde de l’estampe. Ses fils Frédéric et Christophe lui ont rendu un bref mais émouvant hommage. Il a été inhumé le même jour au cimetière Montparnasse. André Béguin était membre du Comité national de l’estampe, et fut pendant un temps président de l’association La Jeune gravure contemporaine.

Ceux d’entre nous qui ne le connaissaient pas personnellement avaient au moins eu entre les mains son toujours utile Dictionnaire technique de l’estampe (je me flatte d’en avoir dans ma bibliothèque un exemplaire dédicacé du 16 décembre 1977) entièrement écrit à la main de sa belle manière dont mon ami Marc Smith, grand historien de l’écriture, estime « qu’on pourrait dire que c’est une interprétation de l’écriture italique (telle qu’on la pratique notamment en Angleterre), caractérisée entre autres par l’usage de la plume large. Une italique redressée si on veut ». Mais une écriture originale tout de même, ce qui ne nous surprend pas de la part de notre ami, moins en tout cas que le procédé, qui lui a demandé une patience digne des légendaires bénédictins.

André Béguin, Captif comme un ballon peut l’être,
eau-forte avec vernis mou, 100 x 150 mm, 1971

André était parfaitement à l’aise avec les techniques de l’estampe. Il les a un moment enseignées à l’École du Louvre. Lui-même, en tant que graveur, était un technicien hors pair, ce dont témoignent les tailles-douces qu’il a produites tant qu’il a bien voulu graver. (Je n’ai d’ailleurs pas compris, et je ne suis pas le seul, pourquoi il avait abandonné l’art de graver pour lequel il avait manifesté tant de talent.) Il en a déposé une quarantaine au Département des estampes de la BnF, où j’ai pris les médiocres clichés ci-joints, ainsi qu’un catalogue raisonné de son travail(que je n’ai pas consulté).

André avait la fibre de la pédagogie, d’où le Dictionnaire technique de l’estampe déjà cité (dont il existe une version anglaise, A Technical dictionary of print making, translation by Allen J. Grieco, 1981-1984), mais encore un Dictionnaire technique et critique du dessin publié en 1978 à Bruxelles, le tout précédé en 1975 de L’Aquatinte à l’aérographe : nouveau procédé de gravure au grain (édition réalisée par l’auteur en sérigraphie manuelle, qu’il utilisera de nouveau pour ses dictionnaires, avec sa version anglaise : A treatise on aquatint : including a new airbush technique for graining etchings ; transl. by Allen J. Grieco and Sara F. Matthews-Grieco, 1999), ainsi qu’un Dictionnaire technique de la peinture en 1982.

Ce que j’ignorais absolument, c’est que ce polygraphe invétéré autant que modeste avait aussi publié en 1994, chez Gallimard, hors des sentiers de l’estampe, un roman de plus de 450 pages intitulé Le concerto d’Elgar, dont le thème ― selon Wikipedia qui donne un article très développé sur André ―, est la difficulté de la création chez l’artiste. Je n’ai pas lu ce roman, pas plus que les pièces de théâtre qui sont venues sous sa plume en 1998 : La cohabitation : comédie en deux actes, et Pauvre diable ! ou Le tibia de Saint-Genou : farce en trois actes.

André Béguin, Systématisation de la souche,
pointe sèche et burin, 240 x 180 mm, 1992

J’avoue, ne l’ayant pas davantage lu, ignorer dans quelle catégorie placer un Entretien avec Madame la Ministre également daté de 1998, si c’est dans la comédie, la tragédie ou ailleurs.

Son appartement boutique (de fournitures pour l’estampe) de la rue Danville, affluent de la rue Daguerre dans le 14^e arrondissement de Paris, a souvent servi de galerie ― je me rappelle une exposition des estampes de Jeong-Dih Yang et de Castex, par exemple, mais il y en eut bien d’autres.

Puis il nous est apparu soudainement, avec quelque surprise, qu’André avait changé de cap, se découvrant ou exprimant enfin une passion débordante pour la guerre franco-prussienne de 1870. D’où la publication en 2016 d’un Mémento pour l’étude de la guerre de 1870-1871 en 215 p. in-4° ; en 2017 d’un copieux volume de 535 p. sur La bataille de Sedan : 1er septembre 1870, avec une préface de mon illustre confrère Jean Tulard, ce qui n’est pas rien ; et en 2018 de La demande de garanties : 12 juillet-19 juillet (Origines de la guerre de 1870), 445 p. Et le dernier ouvrage qu’il m’a adressé, le 18 mars dernier, est une écrasante revue de presse de la première quinzaine de juillet 1870, un peu avant le désastre de Sedan : Cette guerre qu’on nous offre. Comment, du 2 au 15 juillet 1870, les journaux ont vu arriver la guerre, en 240 p. in-4°.

André Béguin, Le Vieux chêne, pointe sèche, 120 x 90 mm, 1988

André avait l’œil clair, le regard franc et direct. Je pense à lui avec amitié.

Maxime Préaud

(Les photographies d’André m’ont été fournies par son épouse et leurs fils. Merci beaucoup.)