Auteur/autrice : Gérard Robin

Académie des Beaux-arts
Palais de l’Institut de France
23, quai de Conti
75006 Paris

L’Académie des Beaux-arts est l’une des cinq académies de l’Institut de France. Elle est actrice de diverses missions culturelles et patrimoniales, dont le soutien à la création et l’encouragement des diverses expressions artistiques contemporaines. Neuf sections la composent : architecture, chorégraphie (créée en avril 2018), composition musicale, créations artistiques dans le cinéma et l’audiovisuel, membres libres, peinture, photographie, sculpture, et… gravure, celle-ci, forte de personnalités, académiciens et correspondants, telles que Pierre-Yves Trémois, Érik Desmazières, Astrid de La Forest, Pierre Collin, Claude-Jean Darmon, James McGarrel et Sylvie Patin. Chaque année, l’Académie donne le palmarès de ses prix et concours. Ce qui fut le 21 novembre 2018, lors d’une séance solennelle sous la Coupole, animée d’interventions musicales et d’un discours intitulé « Interpréter, est-ce créer ? ».

Une vue de la cérémonie (Cl. Gérard Robin)

Après le cérémonial d’arrivée des membres et correspondants, en présence de la Garde républicaine, – instant toujours impressionnant pour le spectateur occasionnel -, précédant l’ouverture de séance par le président, Patrick de Carolis, en présence du vice-président, Pierre Carron, et de Laurent Petitgirard, secrétaire perpétuel, eut lieu la proclamation par le second du palmarès des récompenses, invitant chaque artiste à venir recevoir son prix.
Parmi les nombreux prix récompensant des personnalités liées aux différents domaines, six furent attribués en gravure : Le Prix Pierre Cardin à Camille Oarda ; le Prix Mario Avati à Jan Vičar ; le Prix Paul-Louis Weiller à Sophie Dutertre ; le Prix Frédéric et Jean de Vernon à Thomas Fouque ; le Prix Bréauté à Isabelle Beauchamp ; et enfin le Prix des Fondations Roux et Tronchet, destiné à encourager de jeunes artistes, à María Chillón. Des récompenses de prestige qui montrent la considération portée à l’estampe, au travers de la gravure, et sa présence marquante au sein des arts.

Gérard Robin

« La gravure en clair-obscur – Cranach, Raphaël, Rubens,… »
18 octobre 2018 – 14 janvier 2019
Le Louvre – Rotonde Sully
99, rue de Rivoli
75001 Paris

Voici un voyage dans le passé de l’estampe, en ces premiers temps de la Renaissance où la gravure s’exprimait par le trait, – celui essentiellement de la taille d’épargne xylographique -, et essayait d’échapper à une représentation visuelle graphique et plate. Certes, la couleur, permettant de différencier les divers éléments de l’image, existait déjà. Elle était ajoutée manuellement par coloriage après impression. Une autre mise en couleur, celle de la gravure dite « en clair-obscur », est l’objet, à la Rotonde Sully du Musée du Louvre, d’une superbe exposition réunie par la commissaire Séverine Lepape, à partir principalement des collections Edmond de Rothschild du musée, du département des estampes de la Bibliothèque nationale de France et de la Fondation Custodia. Près de 135 estampes illustrent la pratique de cette esthétique innovante qui fleurit en Europe des XVIe et XVIIe siècles et qui vise à rompre avec la rigueur du trait ou du dessin et transposé après gravure et encrage sur le papier, qu’il soit blanc ou teinté.

Domenico Beccafumi – « Apôtre saint Philippe » (BnF)
Gravures sur bois XVIe s.
à gauche : 3 pl. de teinte grise et noire – à droite : 3 pl. de teinte rouge et noire

Son principe est d’utiliser une matrice portant la gravure du tracé principal de la composition et les hachures éventuelles nécessaires au rendu – c’est la planche dite « de trait », essentiellement en bois (taille d’épargne ou même, plus tardivement, taille-douce sur métal) -, et d’imprimer en superpositions successives une ou plusieurs matrices en bois portant chacune une couleur, – les planches dites « de teinte » -, en allant comme il se doit du plus clair au plus foncé. Dite « chiaroscuro » en Italie et en Angleterre, la gravure en clair-obscur sera souvent appelée ailleurs, dans les pays du Nord (Allemagne, France, Pays-Bas), « camaïeu ». Cette « manière » vise alors à apporter dans l’image du modelé, – tel un apport de lavis -, en jouant sur le rapport des ombres et des lumières, donc de la profondeur et du relief, ou parfois ajoutant une impression d’icône avec des ajouts d’argent ou d’or.

Une vue de l’exposition (Cl.Gérard Robin)

Les œuvres présentées ici sont éloquentes du procédé et de grande qualité.
Des panneaux explicatifs les accompagnent, pour évoquer la chronologie de son usage (de l’Allemagne à l’Italie, puis à la France et aux Pays-Bas) et mettre l’accent sur quelques grands maîtres concernés, peintres, dessinateurs et graveurs. À cela s’ajoutent les cartels accompagnant les œuvres, porteurs de la technique et d’une notice sur l’artiste ou l’estampe. La visite est un véritable parcours de plaisirs, dans des espaces amples et agréables, sous une lumière non agressive, qui respecte les conditions d’éclairage requises pour des œuvres anciennes, donc fragiles. Au final, une véritable révélation sur cet art que l’histoire évoquait peu jusqu’ici dans sa globalité.

Une autre vue de l’exposition (Cl. Gérard Robin)

On y trouve même des explications et des échantillons sur les encres fabriquées spécialement pour cette « manière » : noires, grises ou colorées.
Avec deux apports complémentaires : celui d’une présentation didactique des différentes étapes de la réalisation de la taille d’épargne en couleurs, avec planche de trait et planches de teinte, d’une « Vanité », créée par Maxime Préaud, conservateur général honoraire au département des estampes de la BnF ; et celui de la projection d’un film documentaire, où le spécialiste de l’estampe ancienne avait été conseil : le « Diogène » de Ugo da Carpi, réalisé par Bertrand Renaudineau et Gérard-Emmanuel da Silva.

En parallèle à l’évocation de la gravure en clair-obscur, un autre espace intitulé « Techniques et gestes » permet de renforcer ses connaissances sur l’art pictural sur papier, dessin, pastel, miniature et, bien sûr, l’estampe. Sans oublier la fabrication de la forme à papier, génératrice des filigranes indicateurs d’origine (type, moulin). C’est, là encore, un ensemble passionnant, même pour un visiteur familier de ses domaines.

Un regret suite à cette évocation : cette importante manifestation semble, à ma connaissance, avoir été peu, – trop peu -, médiatisée, et c’est bien dommage ! Elle est remarquable et mérite absolument la visite.

Gérard Robin

Salon d’automne
25 au 28 octobre 2018
Avenue des Champs-Élysées
75008 Paris

François Cheng, de l’Académie française, commence ainsi l’éditorial du catalogue du Salon 2018 : « Salon d’Automne. Ce nom est proprement magique par sa sonorité… Il l’est également par l’image qu’il évoque. L’automne est bien la saison où la nature atteint sa plénitude de formes et de couleurs. »

Une comparaison qui lie, depuis 1903 – et cette année encore -, la 115e édition de cette grande manifestation située depuis quelques années sur les Champs Élysées, dans de grandes longères bâchées et toilées, et orchestrée par sa présidente, Sylvie Koechlin. Et, parmi les 850 artistes exposants qui alimentent les onze sections principales du salon, pas moins de 84 artistes « estampiers » étaient présents, auxquels s’ajoutaient ceux du livre d’artiste (soit un total d’amoureux de l’image gravée qui dépasse les 90).

Un espace réservé à l’estampe (Cl. Gérard Robin)

Les artistes de la section gravure se partagent cinq rubriques : burin et pointe sèche, eau-forte au trait et de teinte, manière noire, techniques mixtes et spécifiques, xylographie et linogravure.
Il n’y a pas la place ici pour les nommer tous, hors bien sûr, déjà, la sélectionnée du J.G.S A. 2017, le prix Jeune Gravure, initié en 1987 par le président de section Claude-Jean Darmon : María Chillón, adepte de la taille à l’outil, et qui dispose de ce fait d’un espace personnel d’exposition.

Espace Maria Chillón (Cl. Gérard Robin)

Pour avoir assisté et participé à l’accueil des artistes et à la mise en cimaises des œuvres, au préalable disposées en désordre au long des cloisons lors de leur réception, la transformation visuelle des lieux, après l’accrochage par l’équipe des bénévoles présents sous l’œil avisé du président, devient presque surprenante tant l’ensemble met en valeur les estampes de chaque exposant.
Car, si la gravure est un lieu à part dans une manifestation pluridisciplinaire d’arts plastiques, elle l’est non pas par sa seule singularité esthétique, mais surtout ici dans son organisation en cimaises, par la mise en place avisée des œuvres, avec la respiration nécessaire entre chacune, l’harmonie des relations graphiques, le respect d’une présentation d’ensemble des sept espaces dédiés à l’estampe. Et, cela, selon le choix judicieux du président, mais aussi émanant des avis des uns et des autres artistes participant à l’accrochage. Au final, agrémentée de quelques belles sculptures, c’est un bel espace, avec pour le public allant et venant dans la grande travée centrale une ambiance apaisante, à laquelle s’ajoutent un niveau et une diversité qui montrent une fois encore la vitalité de la gravure contemporaine.

Un autre espace de la section gravure (Cl. Gérard Robin)

À noter aussi, en fin de salon, l’attribution de diverses récompenses, comme le prix Taylor pour le grand bois gravé « Typhon », de Nathalie Van de Walle ; le prix des Amis du Salon d’Automne pour la grande taille-douce en eau-forte et pointe sèche « Sous l’arbre » de Zafet Zec, et le prix Jean Anouilh, décerné par la fille du dramaturge, Colombe Anouilh d’Harcourt, à Sylvie Abélanet et ses eaux-fortes « Vallée de la Perplexité » et « Vallée de la Plénitude II ».

Points d’orgue de la manifestation, le samedi 27 octobre, plusieurs faits marquants : Celui d’une intéressante conférence-projection de Claude-Jean Darmon, axée sur l’estampe d’interprétation d’hier et d’aujourd’hui, dans laquelle il propose des remarques pertinentes et originales. Puis, celui de la projection du récent film de Bertrand Renaudineau et Gérard Emmanuel da Silva, – tiré de leur collection de documentaires : « Impressions fortes », consacrés à des gravures allant du passé à la période actuelle. Le thème choisi ici évoquant la technique dite du « clair-obscur », qui marque les débuts au XVe siècle de la gravure en couleurs en taille d’épargne, en s’articulant autour d’une estampe d’interprétation, « Diogène et le bipède sans plumes », crée par l’Italien Ugo da Carpi d’après le Parmesan. Enfin, pour clore la soirée, celui de l’interprétation d’une sonate posthume de Franz Schubert, par l’excellent pianiste d’ascendance persane Nima Sarkechik. Un final brillant, beau complément en adéquation avec les propos du conférencier.

Gérard Robin