Gravures de Shevek aux fenêtres (Cl. Manon Guy Rechimbeaud)

Du 27 avril au 1^er juin 2025, une exposition d’art imprimé visible à tout moment depuis l’espace public a investi les fenêtres, les vitrines de boutiques inoccupées et les murs. Cosne-sur-Loire et Châteauneuf-val-de-Bargis ont accueillis sur leurs murs et leurs fenêtres les œuvres originales de nombreux artistes amateur et professionnels. Cette première est due à l’engagement et la détermination de deux associations castelneuviennes : Silex Ink et l’Attribut qui ont organisé avec brio « Les fenêtres qui parlent pendant la fête de l’estampe ». Elles ont également invité les habitants de ces deux communes à participer à cet événement en prêtant leurs fenêtres et leurs murs ou en créant des images lors d’ateliers ouverts à tous.

Nous avons donc pu découvrir avec grand plaisir l’art imprimé sous toutes ses formes en nous promenant dans les rues de nos communes. Des rencontres avec les artistes, deux visites guidées nous ont permis de profiter pleinement des installations et de découvrir les démarches des différents artistes. Les ateliers ouverts à tous nous ont également permis d’approcher avec émotion le processus de création, et les enfants de l’école de Châteauneuf n’ont pas été peu fiers de voir leurs œuvres collées sur les murs du village.

Ce musée à ciel ouvert a été ressenti comme une chance par les nombreux habitants qui n’ont pas hésités à s’y impliquer. Merci à tous, artistes, associations, publics pour votre investissement et pour la confiance donnée à notre ruralité quant à sa capacité à accueillir et à participer à un évènement artistique, culturel et festif de cette qualité.

Cora Texier devant sa vitrine pendant la visite guidée du vernissage
(Cl. Xavier Orssaud)

Visite de l’exposition aux fenêtres de Cosne-sur-Loire

Au-dessus de l’auto-école, nous pouvons voir des monotypes de Régina Blaim, représentant le portrait de trois personnages historiques de la ville. Quelques pas plus loin, des sérigraphies de Chrysav, puis, en tournant dans une petite rue, un magnifique diptyque en bois gravé de Marie-Clémentine Marès tout en hauteur, partageant l’univers de « la cabane de son fiston ».

Dans cette même ruelle, deux vitrines de boutiques inoccupées sont investies par des artistes invités : Patrick Pinon a recouvert les vitres d’une ancienne assurance de ses linogravures sur papier de soie colorés, invitant les passants à écouter « Le silence des oiseaux ». Puis, dans l’ancienne boutique de vêtements de l’angle de la rue, nous découvrons la vitrine de l’artiste québécoise Cassandre Boucher : une installation mêlant art imprimé et art textile.

En continuant son chemin, nous découvrons une gravure taille-douce de Jean-Marie Marrandin, puis des pochoirs très colorés de Corinne Scapin inspirés d’un pop-up réalisé par l’artiste il y a quelques années. À côté, les pochoirs d’Anne Penciolelli rappellent les recherches du design textile et des arts décoratifs : un travail de recherche de superposition de formes et de couleurs imprimé en motif sur du papier de boucher.

Quelques pas plus loin, aux fenêtres de l’étage de l’agence Orpi, les gravures sur bois d’Anita Ljung occupent toutes les vitres de ces impressions colorées.

En retournant vers le centre-ville, apparaissent quelques éléments du fonds d’archives de l’imprimerie Bourra, ancienne imprimerie du journal local « le Régional du Centre » qui partage pour l’occasion quelques caractères typographiques en bois, ainsi que les matrices d’une affiche datant de 1959 pour la promotion de l’aérodrome de Cosne.

En entrant dans la rue du Commerce, nous découvrons dans un premier temps les monotypes réalisés par les élèves de l’école de Donzy, avant de se laisser envahir par la délicatesse de la troisième vitrine occupée, cette fois-ci par l’artiste Cora Texier : une installation mêlant lithographie, céramique et éléments naturels récoltés au fil de ses promenades.

En continuant notre marche dans les rues de la ville, nous découvrons les sérigraphies de Violaine Fayolle : des oiseaux semi-imaginaire cherchant à regarder les passants à travers leurs fenêtres, puis des lithographies de Caroline Polikar et de O’d, des gravures taille-douce de Sophie Leloup, de Shevek et de Louise Gros accompagnées d’un texte de Lorette A. et des restitutions d’ateliers.

Patrick Pinon colle ses linogravures sur les murs du village
(Cl. Louise Gros)

Visite de l’exposition sur les murs de Châteauneuf-Val de Bargis

Les murs se sont transformés en musée pour la fête de l’estampe : des abeilles sont apparues sur le silo à grain, sur les murs de la bibliothèque et sur les portes du couple d’apiculteurs du village. Des baleines nagent sur le puits au milieu du parc et sur les murs de l’école. Des oiseaux volent et observent leurs proies sur les murs du salon de coiffure, de la boulangerie et dans la rue des Dames.

Les linogravures de Patrick Pinon, composées en fresque jouant sur la répétition des impressions et les couleurs des papiers, allient images et écritures sur les murs prêtés par la mairie et les habitants.

Sur les murs de la boulangerie, une linogravure de l’artiste côtoie celles des élèves de l’école de Châteauneuf-Val de Bargis. Lors d’un atelier destiné à s’approprier la démarche de Patrick Pinon, chaque élève a réalisé et imprimé une gravure, faisant collectivement un inventaire des oiseaux de la Nièvre en gravure sur bois.

Un autre atelier, ouvert à toutes et tous, a permis aux habitants de Châteauneuf et des alentours de créer des linogravures auprès de Patrick Pinon.

Lors de la visite guidée des collages, les gravures de l’atelier ont été encollées par l’artiste sur les murs du Petit Castel, la supérette au centre du village.

Maria Legrand

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La galerie, côté est (Cl. C. Allard)

Exposition « URBS »
Paysages urbains
Chantiers, réseaux routiers et chemins de fer
29 avril au 14 juin 2025
Librairie & Galerie Saint-Michel
17 quai Saint-Michel, Paris V^e

« URBS », tel est le titre générique de l’exposition que présente la Librairie & Galerie Saint-Michel, sur le quai du même nom, quasiment en face de Notre-Dame. Comme tout le monde ne sait pas que le mot d’urbs, en latin, a pour sens usuel la ville¹, Constance Allard a jugé bon de préciser en sous-titre que les estampes qu’elle a rassemblées sur les murs de son relativement petit espace chaleureux sont des « Paysages urbains / Chantiers, réseaux routiers et chemins de fer ». J’ai souvent pensé qu’une des différences entre la photographie et l’estampe est que la première conserve la mémoire de la laideur tandis que la seconde la magnifie, par cette espèce de transsubstantiation dont l’art est seul capable.

Il est vrai aussi que les cinq artistes réunis par Constance Allard (soit, par ordre alphabétique, Sergio Birga †, Caroline Bouyer, Anne Charagnac, Frédéric Chaume et Corinne Lepeytre) trouvent des beautés aux chantiers de démolition ou de construction, aux infrastructures d’autoroutes, aux lampadaires, aux câbles électriques, aux rails, aux grues et aux pelleteuses qu’exècrent pour différentes raisons ceux qui sont contraints de les fréquenter visuellement et acoustiquement dans la réalité quotidienne.

Côté Birga, avec l’image de Chronos en couleurs (Cl. C. Allard)

Chez Birga, qui montre en linogravure la destruction des halles de Baltard, qu’il a pu observer lui-même à la différence de ses camarades de cimaise plus jeunes, il y a une dimension politique, et un sentiment nostalgique qui n’affecte que les petits vieux qui ont connu ce triste moment et qui s’interrogent sur l’acharnement des édiles à enlaidir les espaces dont ils ont la charge. Fort heureusement la fragilité des choses et des bâtisses récentes leur laisse un peu d’espoir.

La galerie, côté ouest (Cl. C. Allard)

Les jeunes émules du Florentin ont semble-t-il des ambitions différentes, comme de rendre compte d’un moment qui n’en finit pas, d’un provisoire qui dure. Aussi leur faut-il des points de vue plus larges et utiliser des techniques plus complexes, qu’il et elles maîtrisent parfaitement. Carborundum, aquatintes diverses, grattages, astuces d’encrage, rien ne leur échappe, le tout étant accompagné ou précédé d’une bonne exploitation de l’outil photographique et d’une grande qualité de dessin.

Autre vue de la galerie, côté ouest (Cl. C. Allard)

Travaillant dans des lieux et à des moments différents, il ne paraît pas qu’il y ait eu concertation entre ces artistes, qu’il s’agisse des sujets ou des manières de les traiter. On pourrait presque le croire, tellement l’unité se manifeste dans l’accrochage de la galerie. Cette belle rencontre non loin des travaux en voie de finition à Notre-Dame (de toute façon, à Paris, il y a toujours un chantier quelque part pas très loin), est à la fois une surprise et une réussite.

Maxime Préaud

¹ – Le sens second est celui de « Rome », soit la Ville par excellence pour les Latins ; aussi, quand le pape délivre sa bénédiction « urbi et orbi », cela ne veut pas dire, comme le répètent à l’envi tous les journalistes, « à la ville et au monde », mais « à Rome et au reste du monde ».
nota bene : La galerie est ouverte de 14h à 18h, les mardis, mercredis et jeudis ; les vendredis et samedis sur rendez-vous. (contact@librairiesaintmichel.com)

Exposition Itinéraires 1982-2024
Château des Comtes du Perche
Nogent-le-Rotrou (Eure-et-Loir)
du 5 avril au 21 septembre 2025

Il s’agit ici d’une sorte de rétrospective de l’œuvre graphique de Lise Follier-Morales. Mais une rétrospective bien partielle, car cet ensemble de quelque cent-vingt pièces est une sélection plutôt sévère d’un travail multiforme commencé il y a plus de quarante ans.

L’artiste s’est essayée à la plupart des techniques classiques, y compris le burin. Mais elle a aussi tenté le carborundum, et même le carton, dont sont présentés ici quelques témoignages. Toutefois la manière qui l’a véritablement passionnée est celle de la taille d’épargne, qui lui permet d’utiliser au mieux ses talents innés de coloriste, qu’elle exprime également dans ses travaux au pastel ou à la gouache dont on voit ici quelques exemples.

Transparences (Cl. A. Morales)

Si la linogravure en plusieurs planches n’a pas de secret pour elle, c’est surtout le travail à la planche perdue qui a suscité son enthousiasme et provoque l’admiration du visiteur, lequel ne peut qu’être épaté par la subtilité de ses réalisations, même s’il ne se rend pas toujours compte du talent et de la rigueur qu’exige la multiplication des passages de la même planche sous la presse, parfois jusqu’à quinze. Ceux qui en ont expérimenté la difficulté comprendront de quoi je parle.

Lise a été très inspirée par le papier dominoté, notamment à la suite de la publication en 2012 d’un magnifique livre sur le sujet par les éditions des Cendres¹. Elle s’est donc lancée dans la dominoterie, avec succès, en améliorant considérablement le procédé, qui bénéficie maintenant d’une appellation nouvelle dans le vocabulaire technique de l’estampe, la dominographie. Elle avait réalisé, dès 2013, une belle exposition sur ce thème « De la dominoterie à la dominographie » à la bibliothèque municipale du Mans.

Bien qu’ayant quitté enfant sa Corée natale pour vivre en France (à Nogent-le-Rotrou comme par hasard, bien avant Paris), il semble que, si elle en a oublié la langue, tout ce qui est image chez elle la ramène à ses origines asiatiques, dans sa manière d’observer, d’imaginer et de représenter, l’œil suraigu sous la paupière légèrement bridée. Aussi n’est-on presque pas surpris de la voir faire rimer domino et kimono.

Dominos et kimonos (Cl. A. Morales)

Ainsi se justifie en partie le titre de l’exposition, « Itinéraires », ou allers et retours entre le II^e arrondissement de Paris, les villes de Séoul ou de Tokyo brillamment illuminées, le Japon enrichi de plusieurs vues du Mont Fuji qui rivalisent respectueusement avec les estampes de Hokusai, en s’arrêtant au passage pour caresser du regard et du pinceau une pomme, une poire et tout un bouquet de fleurs diverses.

Quelques vues du Mont Fuji (Cl. A. Morales)

Un petit catalogue (5 €), joliment illustré, accompagne le visiteur qui le souhaite, précédé de propos des édiles nogentais et d’une préface de Séverine Lepape, directrice du Musée national du Moyen Âge – Thermes et Hôtel de Cluny. L’exposition se tient dans les salles du musée de l’Histoire du Perche, installé dans le château des Comtes du Perche, belle bâtisse (naguère château Saint-Jean).

Maxime Préaud

1 – Marc Kopylov, « Papiers dominotés français ou L’art de revêtir d’éphémères couvertures colorées : livres & brochures entre 1750 et 1820 » ; avant-propos d’André Jammes, [Paris], Éd. des Cendres, 2012, 1 vol. (404 p.), ill. en coul. C’est ici l’occasion de mentionner une très belle exposition sur le sujet qui s’est tenue cet hiver à la bibliothèque patrimoniale de Rouen. Il n’y a pas de catalogue, mais on peut lire un long entretien avec le responsable de l’exposition, Michaël Monnier, « Éphémères couvertures de papier », dans le n° 366 (janvier-février 2025) d’Art et métiers du livre, p. 44-51, bien illustré.

Exposition à la Fondation Taylor
1 rue La Bruyère 75009 PARIS)
13 mars au 3 mai 2005

L’exposition devrait ravir les amateurs de l’estampe « visionnaire », voire « fantastique ». Environ une centaine de pièces sont présentées, non seulement les eaux-fortes enrichies d’aquatinte et de pointe sèche, mais également des dessins. Elles sont venues pour la plupart du musée Denys-Puech de Rodez (c’est l’occasion, pour l’ignorant qui écrit ces lignes, d’en apprendre l’existence, il ne connaissait que le musée Fenaille, lequel participe aussi) et de la collection de Jean Costecalde.

C’est encore de l’estampe qui se regarde de près (Cl. Maxime Préaud)

Cet amateur passionné de l’œuvre de Viala a en outre réalisé le catalogue raisonné de son œuvre gravé, publié en 2021 (édité par les musées Rodez agglomération et les éditions Liénart) et présenté au musée Fenaille en même temps qu’une première version de l’exposition. Le catalogue est remarquable par sa qualité et son poids, c’est un colossal in-4° de 632 pages ; abondamment illustré, il décrit les 434 estampes produites par l’artiste (il coûte tout de même 59 euros, mais c’est un prix justifié).

Une des pages du catalogue,
où l’on voit Viala se représentant lui-même
en train d’imprimer, eau-forte de 1911 (Cl. Maxime Préaud)

Viala travaille à l’eau-forte, rehaussée souvent d’aquatinte et de pointe sèche. Le noir domine, ce qui convient parfaitement aux sujets qu’il traite, qu’ils soient mythologiques, bibliques ou christiques, rien n’échappant à ses fantasmes particuliers, parfois érotiques (je recommande une remarquable « Tentation de saint Antoine », très originale, sous le n° 452 du catalogue), peuplés d’oiseaux inquiétants avec par-ci par-là de sympathiques dragons.

Cat. 279. « Gestes d’arbres, la Sorcière », entre 1900 et 1909
Eau-forte et aquatinte 32,6 x 25,1 cm
Gravure de la suite « Gestes d’arbres »
Collection particulière © Pierre Soissons

Son œuvre est très personnel, même si les références sont évidentes : on voit tout de suite qu’il a regardé attentivement les « Caprices » de Goya, de même que les estampes publiées d’après les dessins de Victor Hugo, mais il s’agit toujours de moteurs, il ne s’abandonne jamais à l’imitation. Les arbres, qui le passionnent, ont pour la plupart des allures torturées qui font penser aux travaux de Rodolphe Bresdin, qu’il aurait pu rencontrer.

Autoportrait d’Eugène Viala en 1908, plume, lavis et rehauts d’aquarelle. Collection particulière © Pierre Soissons

Autant d’occasions, pour le visiteur sensible et savant que vous serez, de partager la mélancolie que son autoportrait exprime magnifiquement.

Maxime Préaud

L’affiche de l’exposition de l’association Jeune Gravure contemporaine

« Traits d’Union », pourquoi ce titre ? On pense d’emblée aux liens tissés par une thématique commune entre les sociétaires de la « JGC-Gravure Contemporaine » et leurs invités. Le défi consistait, pour chaque artiste, à proposer trois tirages différents résultant d’un travail évolutif sur une matrice de base. Quelques contraintes relatives à un format maximum n’ont pas empêché les graveurs de s’embarquer dans une même aventure créative chacun selon son imaginaire et ses options esthétiques. Les diverses origines géographiques et artistiques des participants ont enrichi l’exposition de la « JGC-Gravure Contemporaine » qui s’est révélée d’une grande variété, mise en valeur par la cohérence de son accrochage. Le large éventail des pratiques et des réponses à la thématique donnée frappe, dès son entrée, le visiteur par l’abondance des œuvres en couleurs qui dialoguent heureusement avec toutes les déclinaisons des estampes en noir et blanc. La multiplicité des formats choisis et la pluralité des techniques, aussi bien classiques que novatrices, contribuent au plaisir de la découverte…Superpositions, incrustations, découpages, jeux de transparence, fragmentations, effacements ou montages inattendus, autant de modalités dans le travail de l’image…

Le spectateur de « Traits d’Union », sollicité par la liberté des réalisations peut aussi, en consultant le catalogue, affiner son regard et approfondir sa connaissance des techniques Et ce, sans oublier que, exposer c’est donner à voir, mais aussi stimuler la réflexion, voire susciter l’émotion. Celui qui regarde est, en partie, l’artisan de la construction de l’image, indépendamment des intentions affichées de l’artiste.

Dès sa création, la « JGC-Gravure Contemporaine » a affirmé sa volonté d’encourager l’innovation technique et esthétique en refusant toute formule absolue et sectaire de l’estampe. Cette volonté est illustrée par l’hommage rendu à Adolphe Cieslarczyk, dont trois belles gravures exposées témoignent du constant esprit de recherche qui l’a animé pendant toute sa vie d’artiste.

La gravure contemporaine se doit d’être toujours jeune !

Josiane Guillet

Une vue de la salle et de la mezzanine du Vieux-Colombier
(Cl. Claude Bureau)

« Traits d’union »
Exposition de la « Jeune gravure contemporaine »
Mairie de Paris VIe
15 février au 8 mars 2025

En cette fin d’après midi après la foule du Grand-Palais, la rue et la place Saint-Sulpice paraissaient bien calmes. Les couloirs de la mairie de Paris VIe baignaient dans une douce torpeur administrative. Loin du brouhaha urbain, la salle du Vieux-Colombier au deuxième étage, éclairée par des lumières précises, accueillait quelques visiteurs silencieux et attentifs aux estampes qu’ils regardaient. Habituée des lieux l’association « La jeune gravure contemporaine » organise là l’édition 2025 de sa biennale. Le thème qui rassemble dans cette salle et sa mezzanine les quarante-deux sociétaires et leurs invités, s’intitule « Traits d’union ». Pour le faire vivre ou l’illustrer les artistes ont accroché côte à côte verticalement ou horizontalement – sauf Éric Fourmestraux qui les présentait en un retable que l’on pouvait ouvrir– trois estampes.

À l’issue d’un parcours attentif dans la salle et sur la mezzanine, les traits d’union de certaines présentations ne sont pas toujours visuellement évidents et méritent souvent une explication de texte donnée bien volontiers par les artistes de permanence. Toutefois, les liens entre chacun de ces triptyques peuvent s’expliciter aussi par les textes présents dans le catalogue conçu et réalisé par Julien Mélique. Dommage que ceux-ci ne se traduisent pas toujours visuellement d’évidence sur les murs. En revanche, trois bonnes et belles surprises se révélèrent pendant la visite.

Le triptyque d’Agnès Gauthier-Chartrette (Cl. Claude Bureau)

Les deux premières conçues par des habitués de longue date de cette manifestation, la troisième par une plus modeste sociétaire. « Traits d’union » d’Agnès Gauthier-Chartrette est la première surprise. Elle abandonne ici le tricot de ses tailles-douces pour la gouge du xylographe. Dans sa puissante gravure en noir et blanc à peine rehaussée d’un rouge au tampon, se retrouve un de ses sujets récurrents : entre les deux murailles d’une ruelle ou d’une rue que relient des fils suspendus, pendent des linges qu’on distingue à peine vus de près et qui prennent le vent quand on s’en éloigne.

Le diptyque de Nicolas Sochos (Cl. Claude Bureau)

La seconde est le diptyque de Nicolas Sochos « Sur le pont des Arts », vues parisiennes traditionnelles et pourtant : à gauche vu du quai Conti, le pont des Arts écorché d’où sourdent ses entrailles métalliques et au bout la cour carrée du Louvre où reposent d’immortels chef-d’œuvres ; à droite vu de l’autre rive, le pont toujours en travaux et l’Institut où siègent des Immortels dont les noms et les œuvres seront souvent oubliés quelques décennies plus tard ; parabole visuel sans doute de la difficile postérité de tous les ouvrages se réclamant de l’art.

Le triptyque de Line Sialelli (Cl. Claude Bureau)

Enfin, la troisième surprise est une verticale sombre et onirique : « Récupération de chaos 1-2-3 » de Line Sialelli où se mêlent des soubresauts telluriques, des cieux colériques et des villes tentaculaires. Ils dominent un petit personnage écrasé par ce chaos ; au-dessous, ce cauchemar encore inhabité ; au-dessus, le petit personnage sous une éclaircie, un enfer et un paradis peut être ? Une exposition donc à voir et à revoir d’autant plus que l’entrée en est libre et gratuite et que le catalogue est proposé pour la modique somme de cinq euros.

Claude Bureau